ToHereKnowsWhen

URS FISCHER

La cantera de artistas suizos no se agota: URS FISCHER y OLAF BREUNING pertenecen a una nueva generación que ya ha dejado atrás a la de UGO RONDINONE y PIPILOTTI RIST, aunque también es cierto que todos ellos tendrán siempre como referente al maravilloso dúo FISCHLI & WEISS.

Ya habíamos hablado de Olaf Breuning en un anterior post, En el caso de Urs Fischer hay que mencionar que acaba de clausurarse una gran exposición en el New Museum de Nueva York que lo ha proyectado como uno de los artistas más significativos del panorama mundial actual pese a su juventud.

La práctica artística de Urs Fischer se basa en el estudio de los misteriosos mecanismos de la percepción humana, en la alteración de la naturaleza de las sustancias y los objetos más comunes y sus inesperados procesos de interpretación por parte del espectador.
...Y en este momento, usted (inteligente lector de este blog) estará pensando que en realidad no inventa nada nuevo, que hay muchos artistas que desarrollan sus planteamientos en estos mismos términos.
...Pues sí, es cierto, aunque en el caso de Fischer lo novedoso estriba en la espectacularidad, monumentalidad y fuerza visual de sus trabajos.

Ha excavado cráteres en los suelos o abierto grandes huecos en las paredes de galerías y museos generando nuevas vistas al sorprendido espectador, ofreciendo nuevas maneras de observar estos espacios arquitectónicos. Ha dado vida artificial a objetos cotidianos como sillas, muñecos o simples pepinos. Todos estos trabajos están concebidos en un lenguaje basado en la combinación de una inmediatez pop con un estilo neo-barroco del gusto por el absurdo.

ERIC FISCHL

ERIC FISCHL, Otro artista más de los 80’

Confesamos haber sentido devoción incondicional en su momento por las pinturas de Eric Fischl, que fue uno de los máximos exponentes en lo que se llegó a denominar realismo posmoderno. Protagonizó la escena artística neoyorkina de los ochenta y rivalizó con Julian Schnabel y David Salle.

Sus pinturas de entonces representaban tórridas y angustiosas escenas basadas en los aspectos más retorcidos de las relaciones humanas. Nos llamaban profundamente la atención aquellos cuerpos desnudos bañados por la luz tamizada a través de las ventanas de una sórdida habitación de hotel y que mostraban impúdicamente los oscuros mecanismos por los que se mueve el deseo o el sexo.

Ahora Eric Fischl expone en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga y reflexiona en torno al tema, bastante manido por cierto, de la ambigua y supuesta relación de amor, seducción y muerte entre el toro y el torero. En cuanto a la temática desarrollada es evidente que no descubre nada nuevo pero el caso es aún más triste si observamos cómo este argumento se plasma en unas pinturas insubstanciales y nada sorprendentes desde el punto de vista formal.

REINHARD MUCHA

Reinhard Mucha surgió a mediados de la década de 1980 como una figura principal en un nuevo movimiento de arte europeo de carácter conceptual y reflexivo que rompió definitivamente con la hegemónica sensibilidad posmoderna traducida en las lamentables y anacrónicas pituras al más puro estilo ancestral propias de aquella loca década.

Construyó objetos realizados con los materiales encontrados en los propios espacios expositivos en los que intervenía realizando artilugios que ponen en cuestión los sistemas de visualización de arte. Objetos subordinados al servicio de la percepción tradicional de la obra de arte (como pedestales, vitrinas, o sistemas de alumbrado) se convierten en elementos protagonistas y, por tanto, susceptibles de ser concebidos con entidad propia como objeto artístico. De esta forma se produce un proceso de inversión en la relación entre la obra de arte y su soporte expositivo que nos parece sencillamente genial.
En su mítica obra El problema del fondo y de la forma en la arquitectura del barroco nos planteó una serie de complejas reflexiones en torno a la presencia de la obra de arte en relación al ámbito espacial que ocupa. Reinhard Mucha ha explorado en su obra las formas en alusión a la arquitectura y los espacios construidos, en este sentido, investigó un sentido de soledad y pérdida manifiesta a través de referencias a los espacios de vida y la ausencia.
…Y es que es innegable que ante una obra de Mucha no podemos evitar sentir una desoladora y fría emoción de melancolía.

MAPPING THE STUDIO (Colección Pinault)

La Colección Pinault se instala en su nueva sede de la Punta della Dogana en Venecia y se inaugura aprovechando el acontecimiento de la 53 Biennale. El edificio, antigua aduana que hasta ahora se encontraba en un lamentable estado de anbandono, ha sufrido una importante remodelación a cargo del arquitecto japonés TADAO ANDO para convertirse en un maravilloso centro de arte contemporáneo.
La exposición que acoge esta inauguración se titula Mapping the Studio y se concibe con la esperanza de transmitir el sentido de la vitalidad y la inquietud que ha sido parte integrante de la colección de François Pinault lo largo de los años, La muestra plantea una analogía entre la creatividad y la intimidad de la artista en su estudio y la del coleccionista profundamente apasionado por la obra de arte.
Este creativo parentesco sirve como punto de partida para un diálogo entre las obras de artistas consagrados y los de una generación más joven.
La exposición se compone de unas 200 obras de una colección que consta de más de 1200 piezas y nos presenta a todos los artistas fetiches de este coleccionista: MURAKAMI, KOONS, SCHERMAN, CATTELAN, POLKE, PRINCE, MCCARTHY… a ellos se les unen otros nombres de primera linea como SASNAL, FISCHLI/WEISS, KELLEY, TUYMANS, KIPPEMBERGER, GOBER y un larguísimo etcétera de figuras consagradísimas. Logicamente echamos en falta la presencia algunos artistas más jóvenes o alternativos en esta exposición.El precio escandalosamente excesivo: 20 € más 3€ por usar el obligatorio servicio de guardaropa ¿es que quizás pretende el señor Pinault que el público sufrague los gastos de las adquisiciones de unas obras de arte sobrevaloradas?

ARRISCAR O REAL (Museo Berardo, Lisboa)

Una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes de Europa se encuentra en Lisboa y tiene su sede principal en el maravilloso edificio que alberga el Museo Berardo en Belem.
En esta ocasión, aprovechando los fondos de esta colección, se ha organizado la exposición ARRISCAR O REAL, comisariada por Larys Frogier y cuyo propósito es indagar en las posibles influencias e interferencias entre el arte minimalista y performativo de los años 60/70 y los artistas más jóvenes pertenecientes al panorama artistico actual. La exposición incide en el concepto de la relación entre el significado de lo real y lo figurativo en contexto del espacio. De esta forma podemos encontrarnos las correspondencias existentes entre obras de los más característicos representantes del nuevo realismo eurpoeo (LUCIO FONTANA, PIERO MANZONI, YVES KLEIN) y su insistencia obsesiva en la indagación de las propiedades estéticas de elementos cono el "vacío" o la "nada". El minimalismo cásico americano de los 60' (CARL ANDRÉ, DONALD JUDD, DAN FLAVIN) entendido como una exploración de las posiblidades del espacio como verdadero elemento protagonista en el desarrrollo del discurso artístico. En otro sentido, artistas de una o dos generaciones posteriores también usaron el espacio como componente fundamental en sus prácticas artísticas como las instalaciones de JUAN MUÑOZ o las pinturas invertidas de GEORGE BASELITZ. Finalmente nos encontramos con la ironía marcada por el escepticismo que caracterizó los 90 (JEFF KOONS) contrastando con el nuevo activismo social representado por artistas jóvenes de la escena más actual como ADEL ABDESSEMED.

OLAF BREUNING

OLAF BREUNING es uno de los nuevos artistas bizarros de la escena más interesante del arte que se está gestando actualmente en Nueva York. La parodia, la crítica sarcástica y un talante enormemente friki son los ingredientes que se reúnen en la obra de este artista suizo residente en Nueva York. Los absurdos artísticos, las contradicciones culturales y el mundo de las subculturas contemporáneas son los temas recurrentes que desarrolla con un fabuloso sentido del humor aunque a veces este humor sea un elemento que invite al espectador a descubrir y a reflexionar sobre amargas realidades que subyacen bajo los tópicos que percibimos como referencias mediáticas globales. En otros casos Olaf Breuning aparece interpretando sus propios personajes que suelen ser patéticos, en este sentido, deberíamos interpretar que él, en su papel de artista, se ríe de sí mismo aunque nunca sabremos si en realidad esta burla va dirigida realmente hacia él mismo, al espectador o al mundo del arte y la cultura en general. Muy recomendable su web oficial: http://www.olafbreuning.com

ANTONI MUNTADAS

Antoni Muntadas es una de las primeras figuras del videoarte a nivel mundial pero a él le ocurre como a Juan Muñoz o Santiago Sierra que, teniendo un amplísimo reconocimiento y prestigio internacional, dentro de nuestras fronteras es sólo conocido en los reducidos círculos del arte contemporáneo.
Por edad se le podría encuadrar en una generación intermedia entre Nam June Paik y Bill Viola aunque su discurso es totalmente actual y vigente. Interesado en los mass media, en la sociedad de la sobreinformación, la televisión, internet, la publicidad, la censura y la manipulación informativa. En la actualidad sus trabajos se enmanrcan dentro de la serie "On Traslation" en los que reflexiona en torno al concepto del flujo constante de personas y de ideas en un mundo globalizado desde una perspectiva crítica que abarca aspectos culturales, lingüísticos, políticos y económicos.
Ha expuesto varias veces tanto en la Documenta de Kassel como en la Bienal de Venecia, premio nacional de artes plásticas en 2005, profesor de arquitectura e ingeniería en varias universidades de Estados Unidos, Australia e Italia.
Aún así, en España Muntadas es un auténtico desconocido, ¿no vivimos en un país algo paleto?

ARTUR ZMIJEWSKI

ARTUR ZMIJEWSKI, radicalidad para una causa social.

No ocultamos el hecho de que este controvertido artista polaco es uno de nuestros predilectos. Es de agradecer que en este panorama artístico que nos toca vivir tan convencional, previsible y cansino surjan artistas (como T. Margolles, T. Bruguera, S. Sierra, o él mismo) con propuestas radicales a modo de auténticas bofetadas que nos despiertan del estado de somnolencia mental en el que nos encontramos y nos introducen en el espinoso mundo de la realidad social contemporánea.

Artur Zmijewski ya nos deslumbró en la última edición de la DOCUMENTA con una original propuesta en la que una banda coral compuesta por sordomudos interpretaban distintas piezas de Bach. Esta interpretación no era precisamente perfecta ni mucho menos pero entonces habría que cuestionarse cuáles son los verdaderos criterios auditivos de la mayoría de la población oyente y en base a qué circunstancias pueden estar condicionados. En otras obras Artur Zmijewski nos presenta con la mayor naturalidad cuerpos de personas mutiladas o discapacitadas y nos hace reflexionar sobre quiénes son realmente los mutilados o discapacitados.

ANNA Y BERNHARD BLUME

Herederos de la escuela de Düsseldorf, se convierten en la antítesis de otro legendario matrimonio de fotógrafos alemanes (B.y H. Becher). A diferencia de éstos, los Blume dotan a sus obras de un fino sentido de la ironía creando un accionismo satírico crítico. Se puede decir que los Blume son a Beuys y Fluxus lo que Paul McCarthy lo es al accionismo vienés, es decir, suponen un punto de inflexión en la concepción de la práctica artística: frente a la postura trascentalista de aquellos, los Blume (y de forma más radical aún McCarthy) mantienen una actitud escéptica y se apoyan en la ironía y el humor para plantear su argumentación artística. No cabe duda de que este hecho supone un rasgo de modernidad y un paso evolutivo con el que enlazan las generaciones más jóvenes de artistas.

Todo esto se hace palpable en unas obras que consisten en fotografías de gran formato en blanco y negro organizadas generalmente en varias piezas combinadas y dispuestas bajo un impecable sentido de la composición, generando una idea del ritmo y el movimiento realmente sorprendentes. En estas fotografías los propios artistas son los protagonistas de unas divertidas puestas en escena interaccionando con distintos objetos que van desde piezas minimalistas de Sol Lewitt a simples patatas para crear unas disparatadas acciones.

RIRKRIT TIRAVANIJA

En los happenings que realiza RIRKRIT TIRAVANIJA el público participa de una forma activa llevando hasta nuevos límites las concepciones que tenemos de la práctica artística. En numerosas ocasiones ha trasladado (de manera literal) su residencia o su lugar de trabajo al ámbito de una galería de arte con todo lo que ello conlleva, y es en este contexto donde el público participa como invitado y comparte con el artista todas las experiencias vitales. Se puede decir que es un claro sucesor de la obra de Joseph Beuys, pero a diferencia de éste, Tiravanija es un personaje cercano al público y reelabora todos los apectos que tienen que ver con la relación entre el artista y el espectador. (…Porque no nos engañemos, Beuys era un divo de mucho cuidado). Uno de sus últimos trabajos en España lo hemos podido contemplar en el CAC de Málaga, una instalación consistente en una montaña de 6.000 camisetas a disposición del público con el lema “Uno no puede simular la libertad”, a medida que el espectador iba retirando su camiseta, esta montaña menguaba y permitía visionar un video en el que aparecía un niño comiéndose una montaña de arroz. Maravillosa metáfora.

GUERRA ENTRE DIVOS DEL ARTE ESPAÑOL

ESTALLA LA GUERRA ENTRE DIVOS DEL ARTE ESPAÑOL
Santiago Sierra (el artista español más reconocido a nivel internacional) responde a unas declaraciones en un diario de Miquel Barceló (el artisa más famoso dentro de las fronteras de España) y estalla la guerra.
En la más que interesante web CONTRAINDICACIONES, vinculada al colectivo artístico DEMOCRACIA aparece un texto atribuido a Santiago Sierra que transcribimos literalmente:

Queridos Amigos:
Dice Miquel Barcelo, que no le gustó que tapase la palabra españa con bolsas de plástico durante la bienal de Venecia. Su argumento, de tonto cerebral es que no se muerde la mano que te alimenta. Vamos a ver majete, por si te interesa vivo de mi trabajo y no de lamerle los huevos al poder como haces tú...
Así que perro lo será quien ves en el espejo cada mañana, picasso de pacotilla . A mi ningún ricachon monárquico mallorquín me dice lo que tengo que hacer. Tu único mérito es tu asistencia a los mítines del partido privatizador pijo imperial a formar parte de la españa vacía de burgueses almodovarianos, ciegos, sordos y mudos. Llevo desde los años ochenta lamentando el sopor idiota de tus creaciones. Los genios no existen, pendejo!
Con todos mis respetos Maestro.
Miquel Barceló, un artista como la copa de un pino, pero de un pino bonsái.

El texto no tiene desperdicio y, aunque en las formas se haya pasado un poco, creemos que no le falta razón.
Piensen y decidan ustedes mismos:

butanokunsthalle
http://www.contraindicaciones.net

PABELLÓN DE MÉXICO, TERESA MARGOLLES

En este blog somos entusiastas de la obra de TERESA MARGOLLES, artista tremenda donde las haya.
El palacio Rota-Ivancich es obra de Jacopo Sansovino, uno de los arquitectos más importantes del manierismo italiano, actualmente se encuentra en un preocupante estado de decadencia y deterioro. En este particular contexto se desarrolla una acción de TERESA MARGOLLES consistente en el fregado de los suelos del palacio a base de agua mezclada con sangre de personas asesinadas en México por parte de familiares de éstos. El grado de realismo es tal que hasta se puede percibir el olor a sangre a medida que recorremos las salas de este edificio. También nos podemos encontrar unas telas impregnadas de sangre recogida de escenarios en los que se han desarrollado actos violentos relacionados con las mafias del narcotráfico, sobre estas telas se bordan en oro los característicos "narcomensajes" como "VER OIR Y CALLAR", "PARA QUE APRENDAN A RESPETAR"... Cuando finalice la muestra de la Biennale, estas telas serán emparedadas tras los muros del palacio.
La exposición de MARGOLLES para la Biennale es sencillamente sobrecogedora, resulta imposible mostrarse indiferente ante ésta, resulta imposible no implicarse.
Ella ya nos sorprendió hace un año en la última edición de la bienal MANIFESTA celebrada en Trento y Bolzano con la obra más extraña y más interesante de todas: una siniestra sala en un edificio industrial que es pulverizada con vapor procedente del aire de un tanatorio mexicano.
El gestor y comisario de esta exposición no es otro que Cuauhtémoc Medina, un gordito divertido y encantador por el que nosotros sentimos un especial cariño.

BIENNALE DI VENEZIA (SEGUNDA PARTE)

...seguimos con la biennale

PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI

Continuamos con “Fare Mondi”, pues como afirma su comisario, existen múltiples maneras de construir los discursos estéticos, los distintos mundos del arte y se muestran todas ellas aquí. En la primera sala de este espacio destaca por su espectacularidad la instalación del argentino TOMÁS SARACENO, con una especie de constelación de planetas realizados con cuerdas y cables que engarzaría con el tema argumental de la exposición: FARE MONDI. De este artista ya pudimos tener la suerte de ver sus espectaculares obras en la última edición de la Bienal de Liverpool. Las famosas "Yellow Movies", unas bellas pinturas monocromas a modo de pantallas de cine del polifacético TONY CONRAD en las que se reflejan los cambios pruducidos en el propio formato a lo largo del tiempo y que están en relación con la fecha de ejecución y los materiales empleados. Un fantástico video que ya conocíamos de JOHN BALDESSARI en el que aparece él mismo cubriendo de pintura, una y otra vez y en diferentes colores, un habitáculo de reducidas dimensiones.

Por lo demás, poco más interesante a pesar de la presencia de grandes nombres como YOKO ONO, WOLFGANG TILLMANS, PHILIPPE PARRENO, GILBERT & GEORGE, SHERRIE LEVINE, BLINKY PALERMO o GORDON MATTA-CLARK. También hay que destacar las originales intervenciones de TOBIAS REHBERGER, diseñando una espectacular cafatería y RIRKRIT TIRAVANIJA con su peculiar sala de lectura.

MAÑANA: más sobre la Biennale

BIENNALE DI VENEZIA, ARSENALE (primera parte)

Nueva edición (53) de la mayor y más antigua de las bienales de arte. Este año organizada en torno al concepto FARE MONDI concebido por el comisario Daniel Birnbaum.
Como sabéis, la Biennale se compone de la exposición propiamente dicha ubicada en las sedes del Arsenale y el Palazzo delle Esposizioni más las aportaciones que realizan los distintos paises en sus respectivos pabellones.
Centrándonos hoy en la muestra FARE MONDI podemos decir que, salvo algunas excepciones, no se ha presentado nada realmente sorprendente. El hilo argumental por el que se desarrolla este evento pretende presentar las distintas maneras de hacer los mundos, las múltiples formas de construir discursos artísticos. Precisamente eso esperábamos: multiplicidad de argumentos y propuestas pero nos hemos encontrado con algo más de "lo de siempre".
ARSENALE:
Entre lo más interesante podemos hablar de las divertidas postales para turistas que presentan una Venecia "falsa falsísima" realizadas por la polaca ALEKSANDRA MIR. Más adelante nos encontramos con la videoinstalación de la alemana ULLA VON BRANDENBURG con un elegante video filmado "a lo Dreyer" en la Ville Savoye. Es curioso el hecho de que el silencio y solemnidad propios de este video de ULLA VON BRANDENBURG se interrumpían bruscamente por las carcajadas del público que presenciaba otra obra en el espacio anexo. Se trataba del divertido video con los característicos objetos y acciones mutantes realizado por los maravillosos artistas españoles VIVES Y BESTUÉ. Junto a ellos, las obras de los también españoles SARA RAMO y el arquitecto JORGE OTERO-PAILOS. También nos encantó la obra de la veterana JOAN JONAS y la heterodoxa y siempre interesante MIRANDA JULY con unas divertidas piezas en los jardines del Arsenale en las que, como siempre, se requería una participación activa del público.
También nos encontramos con los típicos toboganes de CARSTEN HOLLER sobre unas fotografías manipuladas de edificios. Por último, entre las obras más destacadas se encontraba una vistosa y colorista instalación del brasileño CILDO MEIRELES en la que el color pictórico se pone en relación con su propia representación en formato digital.
MAÑANA: más sobre la Biennale

LO PEOR DE LA BIENNALE: MIQUEL BARCELÓ

lo peor:

ESPAÑA: Por supuesto, MIQUEL BARCELÓ, de lo peorcito, quizás unicamente el contenido del pabellón de Israel fuese de menor nivel que el del español. Pudimos comprobar cómo el público internacional que visitaba nuestro pabellón mostraba la más absoluta indiferencia ante los trabajos de este ególatra y algo arrogante artista mallorquín.

Hubo un tiempo en el que España podía presumir de presentar a verdaderos artistas de primera línea internacional como ANTONI MUNTADAS o SANTIAGO SIERRA (curiosamente éste último con clara ideología izquierdista seleccionado por un gobierno de ultraderecha como fue el de Jose María Aznar). En esta ocasión, el ministerio de Asuntos Exteriores seleccionó “a dedo” a Barceló al que el gobierno socialista le debía ciertos favores. ¿sabían ustedes que el encargado de realizar esta elección no es otro que el ministro de AAEE Miguel Ángel Moratinos? Caso insólito puesto que en la mayoría de naciones (Cataluña incluida) se desarrolla a través de un concurso público a través de sus correspondientes organismos vinculados a la cultura.